el efecto lupa del circo luso, más grande de europa

El grupo nace como cuarteto (Paco Lahiguera no se incorporó a la banda hasta el año 97) en Zaragoza a mediados del 93. Al poco tiempo graban su primera maqueta como presentación, conteniendo 4 canciones irreverentes cuya característica principal era su originalidad, eran tiempos en los que la música independiente nacional florecía y la mayoría se expresaban en inglés (fruto de las fuertes influencias de bandas británicas y norteamericanas). Pero ellos se desmarcaron cantando en castellano, con las exquisitas letras de Sergio Algora (que también ejercía como escritor, en cuya faceta ha publicado desde entonces varios libros).

Un año después aparecía su primer disco, un vinilo a 45 RPM titulado Palencia E.P., que además supuso la primera referencia del sello zaragozano Grabaciones en el mar, que desde entonces publicó toda la discografía del grupo (excepto su último LP, editado ya por la multinacional RCA en 1998 y reeditado en el 2001 por la indie zaragozana). Con dicho debut, empezaron a llamar la atención de crítica y público, paseando sus excelentes directos por varios puntos del país.

A mediados del 95 se publica su primer disco largo, Circo Luso, un auténtico soplo de aire fresco y todo un impacto en su época. 15 canciones grabadas en un estudio-corral y cuya portada corre a cargo del ilustrador Oscar Sanmartín, que desde entonces se encargó de realizar todas las portadas, creando un estilo de identidad estética propia. Circo luso fue destacado ese año en los primeros puestos de todas las listas de crítica especializada, e incluso llegó a aparecer en la edición francesa (!!!!) de "Los 100 mejores discos de la historia del rock". También fue incluido entre los 10 mejores discos de los 90 por El País de las Tentaciones.

Antes de finalizar el mismo año 95 aparece el CDMaxi de 5 temas Bernadutz E.P. que, aunque comandado por la impecable La mujer portuguesa (el gran clásico, sin duda, del grupo) les llevó un paso más adelante merced a la inclusión de Hoy no me puedo levantar, el legendario tema de Mecano que los "gusanos" llevaron a su terreno dotándole de una fuerza mágica de guitarras y voces en la más pura esencia Teenage Fanclub.

Con ambas canciones (y otras no menos brillantes) actuaron por toda la península atrayendo nuevos seguidores con su espléndido directo. Con cierto reconocimiento en el circuito alternativo, su música llegó a oídos de la multinacional RCA que rápidamente ofreció un contrato al grupo, pero se trataba de un contrato inusual ... el siguiente disco lo editaría Grabaciones en el mar, encargándose ésta de distribuir y promocionar el álbum, aunque, en realidad, éste pertenecía a RCA, que se encargaba de aportar una significativa cantidad para ayudar a la promoción y el marketing. La multinacional licenciaba el álbum al sello independiente hasta que llegara a 30.000 copias, momento en el cual pasaba directamente al catálogo de RCA.

Dicho disco fue El Efecto Lupa (96), que aunque nunca llegó a la cantidad requerida, poco a poco se ha ido convirtiendo en un pequeño clásico del pop nacional. De dicho álbum se realizaron dos vídeo clips y el grupo visitó algunos de los más importantes programas de televisión, así como los principales festivales (Benicàssim, BAM, Serie B ...). Se extrajeron dos singles (con varias caras B inéditas) e incluso un vinilo blanco en formato 10 pulgadas.

El grupo seguía ascendiendo poco a poco, pero el todavía pobre sonido del álbum y las limitaciones promocionales propias de una independiente impidieron que llegara al gran público. Y en el año 98 llegó el momento de decidir si el grupo pasaba directamente a RCA o se mantenía donde estaba. El propio grupo decidió "probar" en el seno total de la multinacional, tendrían más medios y podía ser su salto definitivo, además contaban con su mejor selección de canciones hasta la fecha, todo parecía perfecto ...

Y fruto de todo ello nació El escarabajo más grande de Europa, su mejor disco, por primera vez el grupo sonaba con una producción de verdadera calidad (grabado en un afamado estudio madrileño) y algunas canciones como Ahora feliz feliz y Lourdes (primer y segundo single respectivamente) poseían su habitual carga de potencial comercial. Realizaron una nueva y extensa gira, muy bien publicitada en los medios, pero al igual que con los discos anteriores, las puertas de las grandes emisoras siguieron cerradas, probablemente porque nunca fueron un objetivo importante dentro de su nueva compañía, y, lógicamente, las ventas apenas alcanzaron a las de su predecesor. Este disco fue descatalogado por RCA y reeditado recientemente (mayo de 2001) por Grabaciones en el mar.

En el verano del 99, la banda decide disolverse, por diversas causas que sólo a ellos atañen. Un año después, en el verano del 2000, aparece Fantástico entre los pinos, un doble CD que recoge todas las caras B, así como las versiones que hicieron para discos tributo, su primera maqueta, su primer E.P. y algunos temas de su ultima época, nunca plastificados. Un total de 29 canciones que suponen el último legado de esta mágica e irrepetible banda que supo crear su propio universo sonoro. Sólo el tema La pobre niña, incluido en un disco tributo a Rubén Darío, quedaba fuera de ese disco (posteriormente también fue incluida en el recopilatorio Un viaje a la luna, de Gelmar).

Tras su disolución, Sergio Algora fue el primero en volver a los escenarios con la banda Muy Poca Gente con quienes publicó un single y un álbum, y más tarde en La Costa Brava, con 5 álbumes en el mercado. Por desgracia el 9 de junio del 2008 Algora muere de una dolencia cardiaca. Sergio Vinadé formó (durante un tiempo con Andrés Perruca) la banda Tachenko . Mario abandonó la música y Paco Lahiguera ha ido pasado por varios grupos para recalar actualmente en El Galgo Rebelde. Su música sigue tan vigente como el primer día.




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viva la tristeza

Ana D es la gran sorpresa del pop nacional en los últimos años: su música es atemporal, parece surgida de otro tiempo, de otro lugar, lejano y fascinante.

Ana no domina ningún instrumento, pero en su cabeza bullen miles de ideas que sólo necesitan de almas gemelas tan creativas como la suya para cristalizar en hermosísimos pasajes de pop para viajar a las estrellas.

Como un Martin Rev desdoblado y más sofisticado y una Nancy Sinatra morena y tatuada, distante y misteriosa, Ana y sus acompañantes y arreglistas utilizan instrumentos antiguos y cajas de ritmos olvidadas para crear una suerte de “tecno-pop acústico” cuyas referencias van de Kurt Weill o Gainsbourg a los mismos SUICIDE. La cálida y sugerente voz de Ana te acaricia con sensualidad, en un envolvente abrazo del que no te quieres librar jamás.

Como Astrud Gilberto, te hechiza y te transporta a otros mundos más borrosos y llenos de misterio.

Como KRAFTWERK, en fin, vacía las canciones hasta dejarlas desnudas en su esencia, con una belleza descarnada y dolorosamente austera, y con la genialidad necesaria para darle la vuelta a insólitas versiones de Betty Missiego o LOS CHUNGUITOS.

Música para soñar con viajes a las estrellas, a bordo de un cohete de madera, con un gran ojo de buey por donde saludar a los otros navegantes interestelares.

1997
Poco antes del verano de 1997 nos dio la primera muestra de su talento con el revelador CD-Single “Naufragio”, que salió al mercado acompañando a la revista “El Canto De La Tripulación”. Su debut en directo sirvió para abrir la III edición del Festival de Benicàssim, y más de dos mil personas quedaron embrujadas por su carisma y su magnetismo sobre el escenario. Al fin, en Octubre del 97 salió a la venta su esperadísimo primer LP, “Satélite 99”, un disco conceptual de canción cósmico-melódica que fue recibido con los mayores honores en todas partes, y que presentó en Madrid y Barcelona en un concierto conjunto con el grupo inglés STEREOLAB. Ibon Errazkin y Javier Corcobado arropan y complementan el talento de Ana D en “Satélite 99”; Javier Aramburu se encarga del diseño de la portada, donde se puede ver un retrato a carboncillo de Ana, dibujado por el propio Javier Aramburu.

1998
El Club del Single de Elefant Records editó a principios del 98 un nuevo single, “Recordando”, un vinilo blanco que contiene dos nuevas canciones extraídas de las mismas sesiones de “Satélite 99”. En la revista americana Magnet, Dean Wareham (GALAXIE 500, LUNA) elige el disco entre uno de sus favoritos del 98. Mientras Ana, imperturbable, sigue haciendo esporádicos conciertos en lugares apropiados para su música íntima y envolvente.

1999
En el verano de 1999 el sello americano Grimsey publica en Estados Unidos “Satélite 99”; para apoyar dicho lanzamiento Ana D realiza una gira en septiembre/octubre, acompañada a la guitarra por Ibon Errazkin. Tocan en Los Angeles, San Francisco, Chicago, Minneapolis, Boston (con DAMON AND NAOMI), Washington y Nueva York.

2000
El sello Grimsey publica en Octubre de 2000 un CD-Single con la sesión acústica que Ana e Ibon grabaron para el prestigioso programa “Morning becomes eclectic”, en la emisora de Los Angeles KCRW. Otros grupos y solistas que grabaron sesión para ese programa en fechas cercanas a Ana e Ibon son THE FLAMING LIPS, Dot Allison, Billy Bragg, MOOSE, Kristin Hersh, BLACK BOX RECORDER o THE BETA BAND. La portada del CD-Single corre a cargo de Matthew Jacobson, director del sello americano Le Grand Magistery. La sesión incluye un tema inencontrable en cualquier otro disco, una versión instrumental del tema de Mikel Laboa “Uda Urtsua”.

Para presentar dicho CD-Single, Ana D realiza una nueva gira por Estados Unidos en Octubre de 2000. En esta ocasión va acompañada del guitarrista Sergio Fernández. La gira incluye fechas teloneando a DAMON AND NAOMI (en Los Angeles y San Francisco) y a Perla Batalla (en Minneapolis). Completan la gira una actuación en Tijuana (México), y una aparición en el “Rockrgrl festival” de Seattle. Este festival está íntegramente dedicado a grupos y artistas femeninas, y en el cartel de 2000 se incluía una actuación de Ronnie Spector (THE RONETTES).

2001
En Septiembre, el sello Indice Virgen publica en Argentina “Recordando”, un CD que contiene canciones de “Satélite 99” y “Live at KCRW”. El disco cuenta con un nuevo diseño de Javier Aramburu.

2003
Pedro Almodóvar elige la versión que Ana D hace de “Me quedo contigo” (incluída en “Satélite 99”), para formar parte del CD “Viva la tristeza!”, disco que contiene las canciones que según el propio Pedro le inspiraron y ayudaron mientras escribía el guión de su película “Hable con ella”.

Dice Pedro Almodóvar sobre “Viva la tristeza!”:
“El cd que tienes en tus manos está compuesto por los temas que me acompañaron mientras escribía Hable con ella. Todos le sentaron bien a la historia mientras la fraguaba en mi ordenador. Todos me sentaron bien a mí y me acompañaron con la eficacia y la intensidad de un amante secreto. Si por casualidad leyeras el guión y escucharas estos temas, comprobarás que se funden en una misma cosa, digamos que son la banda sonora secreta y alternativa de Hable con ella...”

Tracklist de “Viva la tristeza!” : 1- Shirley Horn 2- Jimmy Scott 3- Goldfrapp 4- Michael Brook & Djivan Gasparyan 5- Albert Pla 6- Ana D 7- Chavela Vargas 8- Kepa Junkera 9- Caetano Veloso 10- Chet Baker 11- Nina Simone 12- Gregory Isaacs 13- Nicolette

Mientras tanto, Ana trabaja en nuevas canciones junto a Sergio Fernández, bajo el nombre artístico de KAMAMURI: ANA D. Sergio ya había colaborado con ella anteriormente, acompañándola durante su última gira por Estados Unidos a la guitarra. La primera muestra visible de esta colaboración es “Andrómeda”, una estremecedora, quebradiza y emocionante nueva canción del dúo que aparece en el recopilatorio de Elefant “Moda Pop”. También participan en el disco tributo a FAMILY, haciendo una versión de “La noche inventada”.

2004
En noviembre se publica en España y Argentina el libro “Curvas Peligrosas” (Editorial Lumen), una recopilación de tiras e ilustraciones de la brillante dibujante y humorista argentina Maitena, que en España podemos seguir semana a semana en su página de EPS, suplemento dominical del diario El País. El libro viene acompañado de un CD del mismo título con diez canciones escogidas por la propia ilustradora, entre las cuales se encuentran temas de Ana D y ENTRE RÍOS, editados por Elefant.

En palabras de Maitena: “dibujar es un trabajo solitario. A veces necesito silencio y a veces música. Los temas de este disco me acompañaron el último año y medio mientras hacía este libro. Quería compartirlos con ustedes”.

Junto a clásicos como Paquita la del Barrio, estrellas de la música argentina como Vicentico o BERSUIT, y compatriotas que trascienden las fronteras como Juana Molina o Axel Krygier, Maitena escogió para su disco la belleza extraterrenal de "Más" (la personal versión de Riz Ortolani incluida en “Satélite 99”).

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ebrios de experimentacion

El origen surgió allá por 1989 cuando Sergio Ibáñez y Emilio Herrando comprobaron que mediante la música, el sonido, la palabra y la expresión podían encontrar intensas, hermosas y rituales formas de comunicación artística o no artística; utilizar los instrumentos como juguetes y jugar a crear escenarios que compartir; explorar y experimentar con las sensaciones, sentimientos y emociones.

Sus primeras inenarrables maquetas, bajo el nombre de "Dioses Sangrientos", fueron grabadas con cassettes portátiles en inhóspitos lugares como pajares y cuevas en la aldea Cedramán, situada en un valle de las montañas de Castellón. De manera natural y espontánea - ya que, curiosamente, no habían escuchado todavía nada de vanguardias musicales - utilizaron variopintos instrumentos como: somnier y bidón metálicos, botellas y copas de cristal y sartenes percutidas con utensilios de comer, esquilas, guitarricos con dos cuerdas, silbatos, gritos, malrecitados...

Por una confusión del crítico musical José Boix de la revista "Ruta 66" del título "Ebria Danza" por el nombre "Licor de labios" nació Ebria Danza; tras el error, creyeron que era mas apropiado Ebria Danza para nombre. Entre 1991 grabaron la dicha confundida maqueta "Licor de labios" y también "Las putas de Belcebú", que además de hacer públicas en la revista Ruta 66, sonaron en algunas pequeñas emisoras de radio. En la primera, grabada en una cueva, Sergio se encargó de la guitarra española y armónica y Emilio de los textos, la voz y algo de guitarra española. La segunda se grabé en solitario, Emelio, en la habitación con dos guitarras eléctricas al borde del colapso.

A finales de 1991 se une a ellos Javi Sanz, otorgando a Ebria Danza más unidad, intensidad y maneras rock, aunque eso sí, un rock muy experimental. "Fue creándose entre los tres ebrios danzantes una intensa y bella amistad, yo diría más que eso, durante casi dos años que estuvimos juntos, formamos una especie de familia con todas las virtudes y todas las consecuencias que esto supone". Durante este tiempo que permaneciron los tres juntos ensayaron los fines de semana en la casa de Sergio y en la de Emilio en Cedramán. Aunque, mucho más que ensayar, se trataba de improvisar y experimentar en ritos donde exorcizában sus demonios personales. Estas largas improvisaciones, por regla general, partían de bases de guitarra rítmica o arpegiada que componía Emilio; que la mayoría de veces, en su lugar de ensayo, interpretaba Javi con su estilo propio, para posteriormente desarrollarlas improvisadamente Ebria Danza. También hubieron temas que surgieron entre los tres en "el lugar de ensayo".

Algo que sedujo y fascinó desde el principio fue desafinar o afinar las guitarras y el bajo a su manera. Desarrollaron experimentaciones como incrustar hierros o metales entre las cuerdas; golpear Sergio una pandereta con un pedal de pie de bombo mientras tocaba el bajo; colocar un cubo de limpieza de plástico sobre el altavoz del amplificador encerrando el sonido; sacar una monstruosa saturación por 2 pequeñas mesas de 4 canales junto a un pedal de distorsión (Emilio:"creo que no he vuelto a ver a Sergio tan extasiado como con esta experiencia"); hacerle un corte con una navaja a un altavoz de un amplificador de 20 watios de los mas baratos para que su sonido sonase todavía peor y más roto; conectar una guitarra eléctrica o la caja de ritmos por 3 amplificadores a la vez con un sonido distinto en cada uno; utilizar un micrófono como instrumento de acoples; deslizar una larga barra de hierro sobre las cuerdas de una guitarra eléctrica para conseguir un sonido lo más "loop" posible... Utilizar una caja de ritmos les dotó de personalidad propia, originalidad y un abanico de posibilidades que con un batería quizás no hubiéran encontrado. De hecho, en 1994, adquirieron una batería que golpeaban turnándose Sergio y Javi. Ganaron en crudeza, aunque perdieron intensidad. A pesar de que hubieron momentos tremendos con la batería se deshicieron de ella y volvieron a la caja de ritmos. Una particularidad de Ebria Danza fue bautizar algunas de sus guitarras eléctricas con nombres tales como: "Furcia estelar", "Malángel", "Reina cósmica", "Infierno", "Cielo", "Ruido culpa"...

Manejaron Ebria Danza conceptos musicales tan característicos como: caos/melodía, belleza/fealdad, dulce/terrible, distorsión/ruido/expresividad, tensión/misterio, ritualidad, crear espacio musical para improvisar, intentar conseguir una orgía sonora, sugerir en textos crípticos y surrealistas... Aunque fuiron muy conscientes de muchas de sus ideas, es complicado discernir si los pasos que dió Ebria Danza surgieron más de la conciencia o más de la inocencia. De esa inocencia - búsqueda que es el principio y el camino de la experiencia que encuentra o no; de esa bella inocencia de lo inesperado. Difuso es averiguar si había sentido en sus conceptos o no había tanto sentido y que Ebria Danza siempre fue manejada por los imprevisibles hilos del azar y la intuición.

Era Ebria Danza muy rebelde en cuanto a planteamientos musicales. Había en ellos una actitud rompedora, provocadora y punk. Uno de los motores principales de Ebria Danza era la idea de un manifestarse provocadoramente, como dándole una poetica patada al mundo y a la sociedad y a un sentimiento de culpa e impotencia. Pero, Ebria Danza, también fue un grito desesperado de ilusión y esperanza por la vida, y de algún modo, un grito de libertad.

Uno de los momentos mas especiales y excitantes que se recuerda de sus locas improvisaciones, fue una noche durante una hora en la que someeron a tres guitarras eléctricas a puñetazos, patadas, azotes con una barra metálica, metales lanzados sobre ellas o siendo lanzadas las guitarras sobre la pared y arrastradas por el suelo. Eran golpeadas y torturadas las guitarras sin piedad para que gritasen de dolor y de placer en un destructivo y liberador akelarre de sonidos, acoples y ruidos infinitos. La guitarra de Emilio resultó irreparablemente herida de muerte. Barajaron la posibilidad de llevar este caótico espectáculo de violencia y redención al directo bajo el nombre de "La violencia desnuda", pero resultaba una idea económicamente cara. Aún hoy es una idea que sigue fascinando.

Y si hay alguien que piensa que no había sentido del humor en Ebria Danza, está equivocado. Uno de los momentos más cómicos y divertidos, que se llevó a cabo poco antes de la disolución de Ebria Danza, fue cuando samplearon y secuenciaron un pedo amplificado. Se podría considerar como su experimento de música concreta.

Es complejo hablar de sus influencias, ya que nunca intentaron parecerse a nada ni a nadie. Ante todo,se inspiraban en/sus propias vidas y de su locura, de sus sentimientos y de sus emociones y sensaciones. El cine fue tan inspirador como la música y cierta literatura, películas como "Terciopelo azul" o "La gata sobre el tejado del cinc", entre una interminable lista, fueron de vital importancia. Es justo reconocer el influjo inspirador de músicas o propuestas como las de: Public Imaged Ltd, "The end" de los Doors, "World Destruction" de Jonh Lydon y Africa Bambaataa, "Venus in furs" de la Velvet Underground, "Tu y yo" de Emmanuel, Swans, The New Christs, Birthay Party, David Bowie, Demonios tus ojos, Corcobado, Claustrofobia, Sonic Youth, Aute, My bloody Valentine, Telescopes, Tom Waits, Diamanda Galás, Los Chichos, Leonard Cohen, Camilo Sesto, Lydia Lunch, Isabel Pantoja, "Al vent" de Raimon...

En los estudios de grabación Waves de Juanma Mas (técnico de sonido y productor de todas las grabaciones de Ebria Danza) grabaron la maqueta "El beso de Job", con la que llegaron a un acuerdo con el sello madrileño "Triquinoise Producciones". Y gracias a que Javier Corcobado era artista de Triquinoise y su mánager Carlos G. Grimal también era el suyo, Corcobado en la presentacion de su libro de poemas "Chatarra de sangre y cielo" en La Pacheca del Grao en Castellón les propuso humildemente producir su primer disco. Tras barajar otra propuesta de grabar y editar con Waves y el subsello de Discos Medicinales "El pato", irresistiblemente optaron por Corcobado y Triquinoise. Lo que al principio iba a ser un doble single con los temas "Las vírgenes de la madre luna", "Paraíso suicidio", "Furcia estelar" y "Dama del sol muerte" al final se completó en el LP de 1992 "El manicomio de las palomas".

Con la gran admiración y respeto que sentían por Corcobado artista, pronto nos sorprendió como persona cercana, abierta, ordenada y seria con su trabajo. Seis días estuvo con ellos produciendo y participando en "El manicomio de las palomas" más un fin de semana que fueron a firmar contrato con Triquinoise que les invitó a quedarse a dormir en su casa en Extremera (Madrid). A pesar de que al final se complicó la producción del LP, quizás por culpa de Ebria Danza, guardan con un enorme cariño esos días que vivieron con Corcobado. Y le estaran agradecidos eternamente. Fue todo un verdadero placer y un lujo tenerle.

Con el álbum editado dieron conciertos en Krop (Almazora - Castellón), Gasolinera (Valencia), Chaplin (Burriana - Castellón), Cedramán (Castellón), La Pacheca (Grao - Castellón). Y justamente en el momento que Ebria Danza conseguieron seguridad y compenetración en el directo, Sergio decio abandonar temporalmente el grupo por culpa del sevicio militar. Como duo Javi y Emilio ofrecieron conciertos en Gasolinera (Valencia), Impropio (Benicasim - Castellón), Raza (Valencia) , Ricoamor (Castellón), Garatge (Barcelona) y Volcabarcos (Castellón). Y también grabaron el EP "Fragilidad suicida", segundo disco para Triquinoise en 1994. Anteriormente a la edición del EP Triquinoise edita el recopilatorio "Déficit", donde se incluye su tema "Paraíso suicidio" en el LP o CD y su video clip "Las vírgenes de la madre luna" en una cinta VHS que acompañaba al LP/CD.

Sergio termina la mili y regresa a Ebria Danza. Y otra vez, como trío, dieron conciertos en: Cutxi (Lucena - Castellón), Café del mar (Castellón) y Ricoamor (Castellón). En Agosto de 1994 grabaron el álbum "El policromo triángulo de las bestias". Disco que tras estar todo preparado para editarse y ser anunciado en prensa, al final, no vio la luz por no poder dar conciertos Ebria Danza por cuestiones de trabajo. A finales de 1995 decidieron amistosamente finiquitar Ebria Danza. Aunque en 1998, Sergio y Emilio con la ausencia de Javi, decidieron intentar seguir tirando del carro de Ebria Danza. En unos estudios de grabación de Valencia , grabaron la improvisación "Está bebiéndote mi herida", con Sergio al bajo y violín y Emilio con la roland R5, guitarras eléctricas, slide, flanger, voz y piano roto roland.

En el 2007 se editó el CD "Azar" de el nuevo proyecto de Emilio llamado "Música Rota", en el que cuenta en algunos temas con la colaboración de Javi Y Sergio. Por su parte Sergio Y Javi han creado su proyecto llamado "El cielo número 20", con la grabación en el 2008 de la maqueta "Nada Sueña" . Pero este presente ya es otra historia.



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naves sin puerto

Mario y Cocó, peruanos afincados en nuestro país -primero en Valencia y luego en Madrid- fundaron Silvania en 1990 con la intención de fusionar pop con innovación sonora. Fijándose en sus ídolos de siempre (Cocteau Twins, Brian Eno, Zombies y Byrds) elaboraron un estilo en el que la guitarra eléctrica pasaba a convertirse en generadora de multitud de ecos y sonidos extraños merced a su manipulación tecnológica aunada a elaboradas melodías pop.
Resultado de estos años iniciales fueron su disco de debut "Miel Nube Hiel" (1992), maxi-single que anticiparía su creciente afición por nuevas estructuras pop y en "En Cielo de Océano" (1993), su primer Lp para Elefant Records. Con estos dos trabajos ganan el reconocimiento de la crítica y realizan conciertos por el territorio español mientras preparan su segundo LP, "Paisaje III" (1994). La electrónica se va haciendo más espacio en sus métodos creativos, dando como resultado un disco de amplios registros en el que caben tanto melodías sinuosas y delicados pasajes acústicos como lenguajes claramente electrónicos y vanguardistas.
Graban en febrero de 1995 su single "Avalovara", en el que virtualmente las guitarras desaparecen en favor de una exahustiva experimentación en el estudio. Más tarde participarían en el primer Festival Internacional de Benicassim con un set basado únicamente en el ruido y los secuenciadores. Son requeridos entonces para las noches techno del festival Barcelona Acció Musical (BAM), en el que presentan una única composición de 40 minutos entre lo electrónico analógico y el aislacionismo más rítmico. Paralelamente son teloneros de Stereolab y Moonshake en Madrid, y preparan su disco de remezclas. Este lanzamiento, "Delay Tambor", es un disco de remezclas en el que participaron algunos de los más arriesgados practicantes de la electrónica actual al servicio de Silvania: Autechre, Seefeel, Scanner, Scorn y Locust son los elegidos para remezclar canciones de sus dos primeros LPs: "En cielo de océano" (1993) y "Paisaje III" (1994). Además de las remezclas el disco incluye tres temas inéditos del dúo.
Editan un nuevo single, "Aero" (como parte del Club del Single de Elefant Records), y más adelante un maxi-single enfocado a la pista de baile, llamado "Suprematiz". En 1997 confirman su condición de exploradores incansables con la edición del DLP/CD "Juniperfin", un disco de texturas industriales y ruido ambiental, evocador y paisajístico.
Ese mismo año participan, junto con lo más granado de la nueva escena electrónica nacional -léase Madelman, Vanguard, IPD o Pez- poniendo fondo sonoro a la proyección de diversos cortometrajes vanguardistas de algunos de los nombres más importantes de la historia del séptimo arte, como Eisenstein o Polanski, dentro de la programación del Festival de Cine de Gijón, uno de los más arriesgados del panorama, y que más espacio dedican a la relación entre cine y música. Silvania fueron los encargados de musicar "Meshes in the Afternoon" de Maya Deren. Al año siguiente el Festival -conjuntamente con el sello Cosmos- editará un CD con las contribuciones sonoras de los grupos participantes.
Silvania acaban el año 98 con la edición de su cuarto álbum (quinto si contamos "Delay Tambor"): "Naves Sin Puertos". El disco obtiene críticas inmejorables en revistas como AB, Rock De Lux o Mondo Sonoro. En mayo de 1999 ve la luz un CD bajo el nombre de Radio, nuevo proyecto de Cocó y Mario junto a Carlos Ordoñez (Prozack, Gauss), en el que sus habituales formas etéreas se ven reforzadas por la habitual marcialidad de los ritmos del vigués.
Ese mismo año Silvania toman parte en uno de los proyectos del centro de operaciones Land Art (Arte En La Naturaleza)/El Apeadero, con motivo del Año Xacobeo. En este marco, varios artistas realizan obras escultóricas en diversos puntos del Camino de Santiago. Entre estos artistas está Virginia Calvo, cuyo proyecto -"Dríades"- consiste en la construcción de esculturas de hierro que se amoldan a los árboles plantados durante un largo trecho del camino. Silvania son los encargados de crear música inspirada en las esculturas de Virginia, y dicha música será en breve presentada en un concierto especial, y editada en CD a principios del 2001. Mención aparte merecen también las frecuentes colaboraciones del grupo con la artista multimedia Ana Laura Alaez.
A partir de ahora Silvania pretenden centrarse en la composición de bandas sonoras y música para instalaciones artísticas. Pero Mario y Cocó tienen además un nuevo proyecto, de nombre Cielo, en el que pretenden recuperar la esencia pop de sus primeros trabajos, sin dejar de lado todo lo aprendido durante estos años en sus viajes por el mundo de la electrónica.




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Nadie dijo que hacer noise en nuestro país fuese fácil

Hay grupos que permanecen en un injusto olvido, el malditismo y el paso del tiempo los relegan a un segundo plano que no se corresponde con su calidad. Cancer Moon es el ejemplo perfecto. Nadie dijo que hacer noise en nuestro país fuese fácil, y mucho menos en ese momento y totalmente en tierra de nadie, o entre dos tierras, La Movida pop de los 80 y los inicios del movimiento indie que estaba aún por eclosionar. Si a todo esto añadimos el inglés como idioma elegido para dar forma a las composiciones, el camino se complica todavía más. Junto a ellos estaban otras bandas como Surfin' Bichos, La Secta,The Pantano Boas o Los Bichos que tomaron el ruido por bandera. Pero los que eligieron una senda más angosta fueron sin duda Cancer Moon, los que llevaron el rock a nuevos niveles y basaron su sonido en la experimentación con la electricidad y el ruido. Uno le tiene un cariño muy especial a esta banda, por muchos motivos, por la calidad de su música, por el malditismo que de distintas formas marcó la evolución y desarrollo de la banda, por la prematura muerte de su líder Josetxo Anitua y por el hecho de que toda su discografía se encuentre descatalogada. En octubre de 1988, José Anitua (ex-Jugos De Otros) se une a Jon Zamarripa (guitarra en Los Raros) para formar lo que será la base de Cancer Moon a lo largo de toda su trayectoria. Jon deja Los Raros y empiezan a pensar en grabar su primera maqueta. En abril de 1989, Jesús Suinaga (ex-Jugos De Otros) se une al dúo para colaborar en las bases de batería de la primera maqueta de Cancer Moon, "12 stereo surgery mistakes". La maqueta es un éxito entre el público y los medios de comunicación. Jesús entra a formar parte de Cancer Moon de forma definitiva y deciden fichar por una discográfica. Cancer Moon graban su primer álbum en enero de 1990. El disco, titulado "Hunted by the snake" y publicado por Polar Records, es considerado por muchos el primer disco de noise español. Pero el disco no obtiene un buen resultado de ventas y Polar Records decide que no quiere cumplir el contrato que en principio era para dos discos. Además Jesús deja Cancer Moon, con lo que el trío se queda en dúo. Finalmente el grupo recala en Munster Records. Pero los problemas continúan. Su segundo álbum, "Flock, colibri, oil" es grabado en muy poco tiempo y su salida al mercado se retrasa varios meses. Finalmente es publicado en 1992 pero goza de muy poca promoción.
En diciembre de 1993 Cancer Moon aportan una canción, "Lurker", al recopilatorio "Navidades Furiosas", publicado por La Fábrica Magnética.
El tercer y último álbum de Cancer Moon es publicado por Radiation Records. "Moor room", grabado entre enero y marzo de 1994 en Bilbao, es elegido mejor álbum del año 1994 por la revista española RockDeLux.
Cancer Moon llegó a grabar en casa de Jon la maqueta del que hubiera sido su cuarto disco. Pero los temas de "TV Tapes" nunca llegaron a ser publicadosAntes de formar parte de Cancer Moon, Jon había estado en Los Primitivos y en Los Raros. José por su parte había formado parte de La Tercera En Discordia y posteriormente de Jugos De Otros.

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generacion noise pop de alta calidad

Jaime Hernández (voz y guitarra), Alfonso Bonmatí (guitarra solista) y Guillermo Bonmatí (batería) crearon Parkinson DC en Barcelona en 1991.

Y lo hicieron tomando como referencia a clásicos como The Beatles, The Beach Boys y Big Star e impactados por la actitud de bandas underground americanas (The Stooges, Velvet Underground, Pixies, Screaming Trees o Dinosaur Jr., entre muchas otras).

Un récord de ventas para Munster Records, "Overdream" precedió al LP del que se sienten más orgullosos: "Green fields". Este disco fue el responsable de que Ken Stringfellow les escuchara y decidiera producirles.

El mini-LP "Don't let your hair grow too long" fue un anticipo al primer álbum grabado con el componente de los Posies, "Albanige".

Luego vendría el EP con cuatro temas "Watcher in the sky" y en 1998 la banda lanzaría "Still in Spain". Se trata de un disco con el que dotaron de una orientación más rock a sus canciones y a su inconfundible sonido americano.

El suyo es un ejemplo de directo rotundo. Todos aquellos que han acudido a sus actuaciones pueden corroborarlo. En definitiva, pop de cuidadas armonías vocales que se fusiona con el ruido en su estado más puro.Tras la disolución del grupo en 1998, después de la gira "Still in Spain", su batería, Guillermo Bonmatí, pasó a formar parte de The Libs, que publicaron su debut "Do it again" en 1999.

Jaime Hernández sigue al frente de Houston Party Records, el sello que inicialmente fundó el grupo para editar su cuarto álbum.

Román Gil Romero, que formó parte de la última formación de Parkinson D.C., se unió en 1999 a los restos de Something para formar Silver Peanut, proyecto que no llegó a funcionar. Posteriormente ha colaborado con otros músicos, como por ejemplo con Sidonie en su segundo disco.

Eduardo Hernández, que formó parte del grupo temporalmente, se integró en Gallygows al abandonar Parkinson DC.





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la suerte de los dalton

Los hermanos dalton

Josema y Carlos Gómez formaban parte de Los Invitados allá por finales de los 80. En 1988 graban un mini-lp como premio por ganar el III Certamen de Música Pop-Rock de San Fernando.

3 años después, con Jesús como batería y con el nombre de Los Hermanos Dalton, vuelven a ganar el mismo concurso. El premio vuelve a ser la grabación de un disco. En esos momentos el grupo está moviendo su maqueta por diferentes compañías discográficas y reciben respuesta de una de ellas: DRO. Para no “perder” sus canciones (escarmentados del resultado de la anterior grabación como Los Invitados), deciden grabar un puñado de versiones y dejar los temas propios para su edición en DRO.

Bajo el nombre de “Luces de Hollywood” se edita un mini-lp (únicamente en vinilo hasta su reedición en cd en 1998) que recoge 7 versiones de clásicos de la talla de “Shake some action”, “Heat wave” (más cercana a The Jam que a Martha & the Vandellas, no en vano se fotografían con una “Union Jack” de fondo) o “All or nothing”. Grabadas en La Factoría (estudio casero propiedad de Josema y que será el paritorio de casi todas sus grabaciones) y producidas por ellos mismos, nos muestran a un grupo entregado, ajustados a una interpretación excelente y con un desbordante entusiasmo juvenil.

En marzo de 1993 llega a las tiendas su primer disco con DRO, “Ya están aquí”. El disco contiene 13 composiciones propias, y pese a contener clásicos del repertorio daltónico (y favoritos personales) como “Los latidos de siempre” (que no hubiera desentonado en los discos que grabaron los Barracudas cuando Chris Wilson formaba parte del grupo), el sonido del disco queda muy lejos de reflejar como se las gastaban los gaditanos en directo. Grabado de nuevo en La Factoría y (aparentemente) con más medios y tiempo el sonido resulta demasiado amable, demasiado acomodado... muy light, como pensado para un público que no es el natural del trío en esos momentos. Las composiciones reflejan su gusto y admiración por el pop de los 60’s, el punk de los 70’s y la nueva ola de los 80’s, tanto en la vertiente nacional como extranjera. Al utilizar exclusivamente el castellano como idioma algunas composiciones se pueden considerar deudoras de grupos de aquí como Pistones, La Granja o 091.

A finales de verano de 1994 aparece “Nada suena igual”. Esta vez nos encontramos con un mini-lp de 8 temas: 4 propios y 4 versiones. El elegido para hacerse con los mandos es Hendrik Roever, de Los Del-Tonos. La elección en principio podía parecer un poco fuera de lugar ya que por aquel entonces Los Del-Tonos estaban dando un giro a su estilo, acercándose a terrenos funk-metaleros y a un concepto de rock bastante alejado de la propuesta de los hermanos. Pues no, no fue mala elección. El sonido de este disco es mucho más rockerp que el del disco anterior: las guitarras cobran garra y suenan como tienen que sonar. Hendrik Roever demuestra que por encima de su condición de guitarrista enraizado en el R&B está la de aficionado a la música, sabiendo dar a Los Hermanos Dalton un sonido más adecuado y cercano a lo que eran ellos en directo.

En lo compositivo las novedades caen en “Europa 1994”, por su orientación claramente punk, a la que sigue “100 kilometros”, un bonito medio tiempo en el que Josema se estrena como teclista y que es una de mis canciones favoritas de la familia (sí, yo también he vivido lo de “...todas las monedas que viajan hacia el mar”).

En este disco se encuentra “Pink Panther”, un tema habitual en sus directos, con la peculariedad de que Josema se vio obligado a aprender la letra, ya que hasta entonces se la inventaba.

Para los cotillas y aficionados al comic cabe destacar que durante un corto periodo de tiempo (y al igual que en los tebeos de Lucky Luke) Los Hermanos Dalton fueron 4. Sí, existe una maqueta en la que se añade al trío un tal Hank Dalton e interpretan “Colegio” (cantada por Josema) y “Zero Hour” (cantada por Hank). Más tarde, Hank Dalton emigraría a Cantabria, cambiaría su apellido por Roever, y grabaría dos bonitos discos. Pero eso es otra historia.

En los primeros días del verano de 1996 aparece en las tiendas un cd-sgl adelanto del próximo disco de Los Hermanos Dalton. “Provitamina D” se llama el artefacto y contiene dos temas que aparecerán en “Vitamina D” y 2 inéditos. Hay que decir que Los Hermanos Dalton han sido muy dados a incluir maquetas, directos y acústicos en sus singles, y a participar en cualquier recopilatorio u homenaje que se terciara (Brincos, Tequila, The Jesús & Mary Chain, etc...) lo que habrá ocasionado más de un dolor de cabeza a sus seguidores . Cerca de una treintena de canciones desperdigadas tengo computadas, pero no sé las que se me quedan fuera de control.

Pasado el verano aparece “Vitamina D”. Con la producción de Paco Loco el sonido de Los Hermanos Dalton se hace más transparente. Me explico, en una entrevista para Ruta 66 de noviembre de 1996 confiesan que en lo que más influyó Paco Loco fue en la variedad de guitarras que hay en el disco. En efecto, hay sonidos de guitarras distintas para canciones distintas. Aunque siempre habían reconocido influencias de Teenage Fanclub o Superchunk entre muchos otros, en este disco sí se aprecia claramente por dónde va cada canción: ésta suena a Buffalo Tom, ésta otra a T. Rex, aquella a Neil Young...

Quizás sea el disco más variado y completo de Los Hermanos Dalton , tanto en el aspecto de sonido como en el de composición. Como novedad “Qué gran día” incluye sección de vientos. También se incluyen una melodía de caja de música como apertura, un despertador, un coche que arranca... en fin, efectos para darle un poco de variedad al tema.

Apenas dos años después tenemos noticias de la familia por partida doble. Casi simultáneamente a “¡¡¡Crash!!!” aparece la banda sonora de la película Mensaka, que contiene tres canciones de nuestros protagonistas. Dos de estas canciones (“Séptima invasión” y “Nunca más” ) aparecen en versiones distintas en “¡¡¡Crash!!), mientras que la tercera es una versión acústica de “1000 kilometros” (sí, mi favorita de “Nada suena igual”).

“¡¡¡Crash!!!” se graba en Madrid con Kurt Bloch (Young Fresh Fellows, Fastbacks) dirigiendo la producción. Podríamos decir que es el disco punk de Los Hermanos Dalton; se nota que han estado escuchando a NoFX, Bad Religión y Offspring, suenan más acelerados que nunca y además en el cd algunos de los temas se han grabado sin pausa entre ellos por lo que suenan uno tras otro como si del “It’s alive” se tratara. Y para remate, las letras de un par de temas muestran una actitud casi combativa. También ayuda en gran parte el sonido logrado por Kurt Bloch; ahora sí que han conseguido sonar como suenan en directo.

En definitiva, un disco más juvenil, más rabioso. El disco que algunos de los fans de antiguo tienen como el último en la lista de favoritos de la discografía daltónica. Debió ser que mientras los fans se hacían mayores los hermanos rejuvenecían ¡Qué envidia!

En 1999, con la edición en cd-sgl de “Espejos que no devuelven las miradas”, joya compuesta por J.I. Lapido, anuncian gira y grabación de disco en directo. Sobra decir que el cd-sgl trae un buen montón de canciones no disponibles en cualquier otro sitio. Al final son los conciertos de Sevilla y Madrid los elegidos para formar parte del disco. Se pone a los mandos Carlos Hernández (Los Planetas, Cecilia Ann), hasta entonces técnico de directo del grupo. El disco es un repaso a la carrera de la banda que se adorna con la colaboración de muchos amigos del grupo: Josele Enemigo, Alex Flechazos, H. Mosquis (en realidad se trata de Hendrik Roever en una de sus múltiples encarnaciones), Novi P.P.M., etc...Finalmente el disco se edita al año siguiente.

“No sé hacia dónde vamos a ir ahora, pero está claro que más rápido no lo podemos hacer”, decían en Efeeme en 2000, en la correspondiente entrevista de promoción.

Desde entonces ocasionalmente se tienen noticias de algún concierto, de canciones para discos homenaje (091), para bandas sonoras de películas (800 balas) y poco, muy poco más.


http://www.mediafire.com/?u20ydggikz2 (cortesia de manchessolares)

cesárea desde linares

AUTOMATICS es un grupo de Linares, Jaén, que estuvo en activo durante toda la década de los noventa. Su sonido, basado en las guitarras distorsionadas y en las melodías características del mejor pop venido de las islas británicas, siempre ocupó un puesto de honor en el panorama pop-rock independiente español, desde sus comienzos con los albores de los 90 hasta su disolución en agosto del 2001.

El grupo comienza a dar señales de vida en 1991; este mismo año quedarán finalistas del Concurso Nacional Roland-Rock de Lux con su primera maqueta, que fue seguida de otras tres más, distribuídas en diferentes fanzines y revistas especializadas. A principios de 1993 fichan por Elefant Records y ese mismo año se edita su primer Ep, "Drive Wheel", al que le sigue una nueva maqueta que llega al nº 1 de la lista de Disco Grande (RNE3).

El LP de debut ("Cesárea") aparece en septiembre del año siguiente precedido de un single, "Sixty", que recibió el beneplácito de la crítica, sobre todo por la citada calidad de su directo, que les llevó a participar en todo tipo de festivales, recopilatorios y discos tributo en España y en el extranjero, consiguiendo con un único Lp lo que muchos grupos sólo sueñan.

En agosto de 1995 aparece un nuevo single, "Slow song", y ya en 1996 un nuevo single en formato CD, "Ultrasónica", con tres canciones nuevas en las que queda constancia de su interés por evolucionar musicalmente hacia terrenos inexplorados por el grupo sin olvidar nunca quiénes son. 1997 significa al fin la salida de su esperadísimo segundo LP, "Space Rock Melodies",que con su excitante visión del sonido neopsicodélico y el rock más bailable les situó entre los grupos punteros del último pop alternativo español e internacional. La cantidad de matices y claroscuros contenidos en este fantástico CD demostraba el nivel de profesionalidad y calidad alcanzado por los de Linares.

Durante 1997 presentaron el disco por toda la geografía española, incluyendo apariciones en en festivales multitudinarios como Doctor Music o Espárrago Rock. Sin embargo, el momento más destacable del año fue su aparición en el Adrenalin Village de Londres junto a otros nueve grupos europeos en el concurso MTV Eurobaschhh 1997, que fue retransmitido a todo el mundo por internet y donde demostraron estar al nivel de los mejores nuevos grupos europeos. Al año siguiente serían los únicos representantes españoles en el prestigioso festival francés de Les Eurockeennes de Belfort, el más importante del país vecino, con más de 90.000 personas cada año, donde compartieron cartel con GARBAGE, JON SPENCER, PRODIGY, PULP, PORSTISHEAD y muchísimos más.

Tras un descanso empleado en la composición de nuevos temas, y el abandono del bajista original Javi Hernández- substituido por José Antonio Méndez- AUTOMATICS vuelven a la actualidad en abril de 1999 con "Duty", su tercer trabajo, que les muestra más maduros y eficaces que nunca a la hora de crear poderosos muros de guitarras y estribillos arrogantes y frescos. AUTOMATICS cada vez están más cerca de conseguir un disco perfecto: la excelente calidad de sonido, y canciones tan perfectas como "Electric Captain" o "They will be forever" demuestran que van por buen camino. Tras unos cuantos conciertos durante el mes de mayo, el grupo presenta oficialmente su nuevo disco en el FIB 99. Su actuación es escogida por los oyentes de Radio 3 como el mejor concierto nacional del festival, y el cuarto mejor concierto a nivel general, prueba de la solidez que han alcanzado sus conciertos.

El 23 de junio del 99 se emite el concierto que grabaron en los conciertos de radio 3, que se emiten es esa misma emisora y en la 2 de TVE. También aparecen en el programa de TVE "Música Sí" y presentan el álbum por varias capitales españolas, con gran éxito de público. "Duty" fue elegido uno de los mejores discos del 99 por la revista Mondo Sonoro. Asímismo, los oyentes del programa de Radio 3 "Disco Grande" lo situaron entre los cinco mejores del año, a la vez que destacaban el directo de AUTOMATICS como el mejor del año en el panorama estatal.

En el 2000 aparece un nuevo CD-Single: "Experiments in motion graphics". En el mismo se incluyen remezclas de los temas "Sputnik was sent into space over 30 years ago, in 1957" (del CD-Single "Ultrasónica"), "Swayfest", "Lone" (ambos de "Space rock melodies") a cargo de BIG TOXIC, HD SUBSTANCE y David de BEEF. En él también aparece una toma en directo (de su concierto para la 2 de TVE y Radio 3) de "They will be forever", un tema de "Duty".

En julio del 2000 participan en el Festival Contempopranea de Alburquerque (Badajoz). Este es el primer concierto que dan con su nuevo bajista Romi.

Un año después se publica un nuevo CD-Single del grupo: "Wilson, love me", con tres temas producidos por Carlos Hernández: "An empty page" (con colaboración vocal de J de LOS PLANETAS), "Big lies under a summer rain (Wilson, love me)" y "The night poacher in the hall". Por desgracia este CD-Single supone la despedida del grupo, ya que en agosto del 2001 AUTOMATICS hacen pública su disolución.

Tras la separación, del núcleo de AUTOMATICS surgen dos nuevos grupos: UNIVERSAL CIRCUS (formado en torno a Jose y Alfonso, cantante y guitarrista respectivamente) y HUSBAND (formado por el resto del grupo). Ambos publican disco con su nuevo proyecto: los primeros en el sello Mushroom Pillow, y los segundos en su propio sello, Egunon Música.

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